CUANDO EL ARTE SE CONVIERTE EN DELITO

La noticia que destacamos es de hace tiempo, pero creemos que el problemas sigue estando a la orden del día, un tipo de arte que aún ahora se cuestiona mucha gente: el arte urbano.

Resulta que en Barcelona se llevó a cabo una propuesta realmente interesante, vista la escasez de muros en los que poder pintar, se llegó a la solución de promover diversos proyectos que daban la oportunidad a graffiteros profesionales y amateur de redecorar pintando las persianas de diversos comercios que estuviesen de acuerdo con lo propuesto. De echo tuvo tan buena acogida que durante dos años la demanda de graffitis fue realmente numerosa.

No obstante, lo que todo era arte en la calle y oportunidad en grafiteros, se convirtió en un delito.

Si señor, con un par. De repente se llegó a imponer que todos los comerciantes de Barcelona serían multados si encargaban graffitis para sus persianas, llegando a tener que pagar hasta 600 euros que tendrán que repartirse entre artistas y propietarios….¿¿Cómo??

Dejando de lado, el hecho evidente, de que el propietario del establecimiento está pagando por un “trabajo” que se va ha llevar a cabo en un espacio privado, ¿Realmente puede considerarse esto tan grabe como para llegar a sancionar por ello?

No estamos hablando de pintadas que cuatro gilipollas hacen por las calles, molestando a ciudadanos o  buscando nada más marcar sus territorios. Sino que estamos hablando de murales, de trabajos realizados por gente , que sabe dibujar, que saben pintar y que sabe usar un aerosol, en definitiva, saben hacer un arte distinto.

No se que opináis vosotros pero personalmente, consideramos que muchos de estos “bándalos” (como algunos les suelen llamar) hacen mejor arte que otros que dejaron las calles para entrar en galerias.

¿Por qué la experienca estética se ha vuelto tan polémica? Desde los comienzos de la modernidad, el régimen de transformaciones permanentes de la era industrial modificó radicalmente la noción de lo bello.
El sentir estético nunca se revela como una manifestación
Idéntica en todos y cada uno de nosotros, ni siquiera es igual en todos los momentos.
La categoría estética de lo polémico nos conduce a una catarsis en la que se manifiestan nuestros sentimientos más profundos y nos permite tener conciencia plena de lo real. Sólo entonces seremos capaces de discernir entre aquello que es polémico y distinguir en esta realidad lo que nos parece bello,  Atrás quedó el ideal armónico y trascendente. La belleza empezó a estar acompañada por conceptos como “novedad” “lo último” “lo mas caro”. Para decirlo de otro modo: hace rato que ya no es dominante la creencia de que el arte debe ser el lugar de la armonía, la estabilidad. El arte puede ser inquietante y sobrecogedor.
Lo bello tiene un carácter altamente transformador, tanto para el bien como para el mal.
El crítico norteamericano Harold Rosenberg, quien usó la noción de "objeto de ansiedad" para explicar el objeto de arte contemporáneo: algo que provoca más interrogantes  que certezas, y pone al espectador ante la obligación de decidir por sí mismo, sin criterios fiables, si lo que tiene ante sí puede ser considerado arte, no tiene nada que ver con el ideal de belleza ni con la cultura, la frontera entre los registros del arte contemporáneo es muy frágil y las contaminaciones entre arte, espectáculo, show e impacto están a la orden del día.




El artista se llama Anthony McCall y trabaja la luz de una manera magistral

NO VAS A TENER UNA CASA EN LA PUTA VIDA

Alex Dobaño y David Morgado, conseguían reunir a 20.000 personas en la plaza del ayuntamiento de Barcelona, a través de las redes sociales, para gritar todos al unísono “No me voy a comprar una casa en la puta vida”. Estos autores comentan que el activismo es la expresión del trabajo de mucha gente, y que el arte se convierte en un punto de encuentro.

Si la agresividad la entendemos como provocación esta estimula el conocimiento. Muchas veces se utiliza la provocación como revulsivo por parte de los creadores y activistas para hacer ver lo que ellos quieren que se vea.

Otro aspecto a tener en cuenta es la confusión entre ética y moral. No se puede atacar a un artista desde la óptica de la moral. Lo no moral puede ser perfectamente ético. Un desnudo puede ser considerado amoral  aunque ser ético. El arte es un mecanismo de denuncia, es una de los instrumentos éticos más poderosos. En parte es lo que sucede con la obra de Santiago Serra, escandalosa pero en cierto sentido ética. Sin embargo, el creador controla el proceso y dirige la mirada, a diferencia de las acciones de los artivistas, más cercanas a la cotidianeidad y que permiten la intervención de cualquier persona. Por ello consideramos mucho más interesantes las propuestas y la transgresiones de los artivistas a las de Santiago Serra. En cualquier caso, todo arte sumergido- underground- tarde o temprano acabará convirtiéndose en oficial.

 ¿ Todo arte underground ha sido convertido en arte oficial?

ENTRE BERSHKA Y ARCO

Sabemos que ya hace un par de semanas desde que se celebró la feria de Arco en Madrid. No obstante, una ingeniosa frase que hemos leído en un artículo de prensa, nos remite ha tratar un tema muy relacionado con dicha feria.
La frase por excelencia fue: “Llegó, vio, compró”
Si señor. Arco, la feria en la que se mezclan gran variedad de artistas y estilos, así como una gran oportunidad para que jóvenes promesas se den a conocer, hoy en día es lo más parecido a una tienda en plenas rebajas. O por lo menos, no solo lo pensamos nosotros, sino que, una de “las grandes coleccionistas de obras en España” como es Tita Cervera, más conocida por su título como Baronesa Thyssen, expresaba “otra joya” de frase antes de su entrada en la feria: “Haber si me hacen alguna rebaja”.
¿Cómo debemos de tomarnos esta “pequeña broma”, si se le puede llamar así? Aparte de rebajar las obras expuestas a simples “piezas de ropa de mercadillo”, nos parece una ofensa para todos aquellos que no cuentan con un alto nivel adquisitivo. El poder permitirse adquirir una obra de arte, da pie al menospreciarla. Para algunos es un lujo, para otros una simple compra más de la que luego sacar partido.
Sabemos que al fin y al cabo las obras son parte del mercado pero ¿se deben de menospreciar socialmente de esta manera? ¿es esta una forma de tratar el arte como mera decoración o invesión?

de "mucha mierda" y "poca suerte"

Purgatorio del arte. Ese lugar en el que los artistas, se quedan sin poder salir, incluso teniendo facultades notoriamente buenas para expresarse plásticamente.

Son muchos los casos de artistas que quedan en el olvido.  A pesar de que sus obras son, en definitiva, igual o mejores que muchas de las obras de personajes de renombre. Que, por suerte, han llegado a un reconocimiento que muy pocos alcanzan.

El factor suerte es algo que puede condicionar en muchos casos una carrera artística; que alguien evalúe tu obra como propicia para darse a conocer en ese momento y pueda reconocerse, no es algo común, pero si sucede en algún caso. 

Nosotros no somos quienes escogemos que queremos ver sino que, para esto, alguien ha considerado que deberían existir ciertos personajes que elijan por nosotros. Debido a esto, son muchos los artistas "no conocidos", "anónimos", cuyas carreras activas han terminado porque  "no estaba cualificado para exponer a nivel galería o museo".

Nuestra meta es permitiros conocer a esos artistas anónimos que alguien ha decidido dejar en el purgatorio y que no se rinden ante la posibilidad de poder salir, trabajando en un campo como el del arte. No obstante también conoceremos casos de artistas que consiguieron salir de ese estado y cuales fueron las causas que propiciaron su liberación y su subida al cielo del arte.

Pero, en definitiva, ¿quién se encarga de decidir quien toca el cielo de la fama y quién se queda en el anonimato? ¿Por qué a veces las galerías se llenan de mierda mientra que verdaderas obras de arte se relegan a una modesta exposición en una cafetería? Si cada uno de esos artistas tuviese la opción y la suerte de darse a conocer a un mismo nivel…quizás el panorama artístico de hoy en día cambiaría notoriamente….quien sabe.

Imagen de:
Taxi bajando por Madison av un día de lluvia.
Roberto Alberto: Licenciado en BB.AA. Universidad de Sevilla, 1997

LA VISIÓN DE MONET.

El objetivo de la primera publicación es crear un tema de debate a raíz de una situación esperpéntica, como bien ha expuesto ToxicArt. La situación podría ocurrir, es mas, el caso de Monet es verídico. Puesto que comenzó a notar problemas oculares durante el año 1908, los cuales fueron agravándose paulatinamente, en 1912 recayó su visión y el doctor Jean Reviere le diagnosticó cataratas. Los colores habían empezado a cambiar y empezó a confiar en las opiniones de sus allegados, para concretar los tonos. Se deduce que las ultimas obras resultantes eran consecuencia de su visión alterada.

Según el profesor de oftalmología de la universidad de Standford, Michael Marmor, los cristalinos al volverse opacos adquieren un matiz amarillento llegando con el tiempo a un marrón rojizo. Este filtro actúa en los colores y modifica su tonalidad, especialmente en el color complementario, el azul. Por consiguiente, sus últimos cuadros fueron adquiriendo un tono rojizo. Monet indignado declaró que sus obras se habían vuelto "odiosamente falsas".

El tema del que queremos reflexionar trata de que los propios artistas se ven condicionados por su propia percepción de la realidad, y en consecuencia en ocasiones por terceros se ven involucrados en situaciones que no son deseadas por el propio autor. 

DE NO VER TRES EN UN BURRO

"Yo pensaba que hacia cosas bonitas", con esta frase, tapies cierra su etapa artística. 

Desde hace tiempo que Antoni Tápies sufre de problemas oculares, pero no es hasta este momento  en decide ponerse al día y graduarse las gafas. En consecuencia, la obra de Tapies se muestra nueva ante los ojos del artista.
Desde este momento Tapies reniega de su obra de las últimas décadas alegando: "Yo pensaba que hacía cosas bonitas, como muy difuminadas, lo típico para poner encima del sofá. Y ahora veo que llevo toda mi puta vida pintando rayotes y cosas mal hechas sin ningún sentido. ¿Por qué nadie me avisó?” declaró Tapies en la rueda de prensa del 3 de Noviembre de 2009. Anunciando posteriormente su retirada el mundo del arte, “He sido una marioneta todo este tiempo. Una marioneta ciega encadenada a un pincel y a lienzos enormes”, acusando a sus representantes de haber intentado que continuara pintando “comiéndole la cabeza” para que siguiera manteniéndose como suministrador de obra y de ingresos. 

Esto nos hace preguntarnos hasta que punto la visión del autor es individualista, y condiciona la obra. O por otro lado, hasta que punto pueden llegar a condicionar al artista sus representantes.

Mas información:

http://www.elmundotoday.com/2009/11/tapies-reniega-de-su-obra-tras-graduarse-la-vista/